Teatro Central. Temporada 2013 2014

Música, danza, teatro. La nueva temporada 2013/14 del Teatro Central que arranca este mes parte de estos tres pilares básicos de las artes escénicas, para ofrecernos una programación repleta de eventos y que irá incorporando nuevas actuaciones a lo largo del año. ¡Consulta en ¡WEGO! toda la información de los espectáculos que te ofrece el Central y ve haciendo huecos en tu agenda!

TEATRO CENTRAL – TEMPORADA 2013/14

26 de octubre, 21:00 horas –  27 de octubre, 20:00 horas 

¿Quién teme a Virginia Woolf?

El merecido reconocimiento de Carmen Machi como “la gran dama” de la escena española y el que, una temporada tras otra, decida ofrecernos el regalo de su presencia sobre nuestro escenario, es un privilegio para Sevilla. Pero en el caso de esta Virginia Woolf, no es solo ella quien nos dará una auténtica lección de interpretación, sino que todos los que la acompañan, empezando por Pere Arquillué, un actor superlativo de quien ya disfrutamos en las producciones del Teatre Lliure a las órdenes de Àlex Rigola -recordemos su interpretación de Ricardo III o su colaboración en 2666, aquel desmesurado espectáculo sobre la novela de Roberto Bolaño- y siguiendo por Mireia Aixalà y Ernest Villegas que consiguen que lo que veamos sobre el escenario sea un auténtico póker de ases. Si a todo esto le añadimos que han contado con la respetuosa dirección de Daniel Veronese -el argentino llevaba años deseando afrontar el reto de poner en escena la obra maestra de Albee- poco arriesgamos al afirmar que asistir a una de las representaciones de esta función, sea disfrutar de un auténtico banquete escénico. ¿Quién teme a Virginia Woolf?, la obra maestra de E. Albee, es el retrato de la sociedad americana del momento y el análisis de un mal nacional: el engaño a la pareja. Como dice Veronese “se trata de una compleja maquinaria sobre la vida humana en pareja, en compañía. Una máquina de coser hombres y mujeres.”

1 y 2 de noviembre, 21:00 horas

Roberto Zucco

Roberto Zucco, la última obra de Koltès antes de morir víctima del SIDA, está escrita con toda la furia de quien sabe que no le queda tiempo, es una obra espectacular y es su testamento literario. Representa para él la última oportunidad de ir más allá en la exploración de sus preocupaciones que tanto le atormentaban. Y se destila del texto una urgencia que ya se palpa en la primera lectura y que hace que la obra sea fascinante a la vez que conmovedora.

Julio Manrique apuesta por este texto, veinte años más tarde de su estreno en Barcelona, con un reparto de lujo. El Periódico de Cataluña dejó claro que “Pablo Derqui es un Roberto Zucco deslumbrante, absolutamente embriagador. Cuando Derqui habla, o cuando solo mira de forma intensa pero también perdida, sobrevuela por el escenario el ángel exterminador de Koltès”. A su alrededor, se despliega una inmensa galería de personajes, representados por tan solo siete actores, que desean, hieren, golpean, negocian, denuncian, huyen, agonizan, se pierden, sospechan, intercambian, traicionan y siempre, como en toda la obra del autor francés, luchan. Según Manrique, “Koltès era un poeta. Un poeta que escribía teatro, justamente porque el teatro es la cosa más efímera que existe y, por lo tanto, un buen medio, el mejor quizás, para explicar la vida.”

8 y 9 de noviembre, 21:00 horas

iTMOi (in the mind of igor)

De Akram Kahan

La historia es sencilla. Todo surge cuando el teatro Sadler’s Wells de Londres, le propone a Akram Khan celebrar, a su manera, el aniversario de La consagración de la primavera, obra mítica creada en el Théâtre des Champs-Elysées en mayo de 1913. Nuestro coreógrafo acepta el reto y elabora iTMOi: un espectáculo para 11 intérpretes estrenado en la MC2 de Grenoble en el marco de una residencia artística.

El coreógrafo Akram Khan,conocido internacionalmente (Sevilla se entregó a su trabajo tras la presentación en nuestro teatro de Vertical Road), es alabado por la vitalidad y la innovación que aporta a la expresión intercultural e interdisciplinaria. Maestro de kathak (baile clásico indio) y coreógrafo contemporáneo premiado varias veces, Akram tiende puentes entre tradición e innovación, entre Oriente y Occidente. Ha colaborado con el Ballet Nacional de China, la actriz Juliette Binoche, la bailarina clásica Sylvie Guillem, el bailarín/coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, la cantante Kylie Minogue, los artistas visuales Anish Kapoor y Antony Gormley y con los compositores Steve Reich y Nitin Sawhney.

12 y 13 de noviembre, 20:00 horas

De claves y declives

De Manuela Nogales (Mes de la danza)

Desde 1996, año de creación de la compañía Manuela Nogales Danza, esta coreógrafa y bailarina ha dado lecciones de honestidad, coherencia, dedicación y amor sin límites por la danza contemporánea. Desde su posición de francotiradora ha desarrollado un vocabulario propio basado en la hibridación de lenguajes a partir de sus colaboraciones con artistas provenientes de distintas disciplinas. Lo de Manuela, en todos estos años, ha sido un viaje constante que ha generado un repertorio que varía los lenguajes, los métodos, las sensaciones, las técnicas, el consumo, las expresiones, las densidades y las resonancias imaginarias.

Con más de una veintena de piezas, esta compañía ha participado en muchos de los lugares de referencia para la danza contemporánea: finalista en el Certamen Coreográfico de Madrid y Maspalomas, Danza Valencia, Festival de Itálica, Madrid en Danza, Festival Brigittines (Bruselas), entre otros. Ahora estrena en el Central su nueva producción en la que junto a Tatiana Postnikova, solista de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, y la música de J. S. Bach, asocia el clave y el declive. Es decir, la maestría técnica de la composición y la caída, el impulso hacia el fondo. Una caída compensada en tanto que surge el advenimiento de un ser vulnerable y se produce una inversión de la gravedad que lo hace caer hacia arriba. Como ella dice: “Caer básicamente para ser una misma, bajo la presión de una necesidad y contra toda resistencia… Con 50 años tomo los movimientos como primeros y últimos a la vez lo que constituye, a mi ver, ese temblor indefinible que es la danza.”

15 y 16 de noviembre, 20:00 horas

Lowland

De Roser López Espinosa

El cuerpo de Roser contiene una vasta memoria trazada en España y Holanda. Aquí y allí se ha formado y trabajado con reconocidos nombres a los que profesa admiración y reconoce influencia. Katie Duck y la Magpie Music Dance Company, Ángels Margarit y Mudances, con quien ha trabajado estrechamente en los últimos años. También se encuentran en este catálogo de maestros y compañeros Cesc Gelabert e Isaki Lacuesta, Iago Pericot, Pere Faura… “y reconozco la influencia de coreógrafos con quienes he estudiado y cuyo trabajo he seguido de cerca, como Thomas Hauert, Sasha Waltz, Anne Teresa de Keersmaeker y Mal Pelo. Luego está el trabajo de la gente de mi generación que me motiva cada día”, apunta.

La creadora catalana habla así de la pieza que nos presenta: “Fascinados por las migraciones de los pájaros, queremos aprender a volar. Lowland nos retorna a la animalidad del cuerpo y del movimiento, al aprendizaje, el esfuerzo, la tenacidad y la resistencia, la belleza, el espíritu de superación y el espíritu de libertad. ¿Partir o echar raíces? Lowland es el paisaje de cada uno y el viaje. Solo se puede volar con el cuerpo y nos hará falta ingenio e imaginación para conseguir unas alas. Un imaginario del mundo de las aves y de los hombres, lleno de luz y vitalidad en Lowland, la tierra baja.”

20, 21, 22 y 23 de noviembre, 21:00 horas – 24 de noviembre, 20:00 horas

Madre Coraje

Atalaya

Hacía años que el director andaluz venía acariciando el proyecto de montar Madre Coraje, la obra más importante de Brecht, el dramaturgo alemán que tanto influenció la puesta en escena durante el siglo XX y uno de los textos teatrales más emblemáticos de la dramaturgia contemporánea. Como bien dice Iniesta, Madre Coraje representa una metáfora de la sociedad en la que vivimos, embarcada en una desaforada carrera hacia el éxito, hacia el culto al mercado y a la propiedad; hacia el engaño y el sometimiento de los más débiles. Se trata de un texto que toma como referencia la guerra, pero no solo se pronuncia contra ella, sino contra la actitud del ser humano de apostar por un sistema de vida donde prime la ganancia, aún a costa de sacrificar la propia existencia y la de los seres más queridos.

En la obra se pregunta al espectador por las opciones que tomaría en una situación de extrema crisis, como la que vivimos. Resulta, por tanto, de una tremenda actualidad, más aplicable a nuestro tiempo, incluso, que a los días en que fue escrita. La pieza es la demostración palpable de la visión de futuro de la que hacía gala Bertolt Brecht. No es la primera vez que ese equipo de investigación teatral que es Atalaya, desde que se creara en 1983, se acerca al dramaturgo alemán,ya lo hizo cuando subió al escenario La ópera de tres centavos, un musical con el que recorrió la práctica totalidad de la geografía española y con el que obtuvo el Premio Canal Sur a mejor espectáculo andaluz de 2007. Ahora Ricardo Iniesta hace realidad su sueño. A buen seguro que será una excelente conmemoración para los 30 años de Atalaya.

29 y 30 de noviembre, 20:00 horas

Lear

ABAO Teatro

Una obra de Pepe Gamboa a partir de El Rey Lear de William Shakespeare. Una versión “más bien libre”, en palabras de Gamboa, que se centra en la dureza de las relaciones familiares; no importa el rango, no importa la nobleza, sólo cuenta la fragilidad de los lazos familiares, su crudeza. Lear no es un rey en decadencia, es un anciano padre envuelto en viejas venganzas fraternales, en avaricias, rencores y despiadadas ambiciones. Y el eterno contrapunto del Bufón, poniendo la ironía, la sonrisa que se congela.

En esta versión, que firma junto a Antonio Marín, los personajes se desenvuelven en lo que bien podría ser una pesadilla del protagonista, encarnado por Roberto Quintana, atrapando al espectador en una acción sin concesiones; una trama que cualquiera puede reconocer e identificar en su propio entorno. A Quintana lo acompañan Amparo Marín, Mari Paz Sayago, Mari´a Cabeza de Vaca, Manuel Monteagudo, Chema del Barco, A´lex Pen~a y David Montero.

 29 y 30 de noviembre, 21:00 horas

… du printemps!

Augurart

Una propuesta de Thierry Thieu Niang/Jean-Pierre Moulères bailada por 25 seniors no profesionales. Música: La consagración de la primavera de Igor Stravinsky con la dirección de Pierre Boulez/Orquesta de Cleveland – Texto y extractos de Cahiers de Nijinsky. 25 personas, que se encuentran en la primavera de su otoño, entran lentamente en el corro de los principiantes; éste podría ser el principio de la historia. Pero también éste podría ser el principio de la historia: un grupo de personas mayores bailando, una carrera, un círculo, un poco de música. Los bailarines parten de un núcleo central que podría ser pre-tiempo. Poco a poco se van alejando de esta matriz original, vestidos de negro y con pelucas, huellas de un tiempo anterior, de un movimiento antiguo, pieles de invierno de las que se van deshaciendo poco a poco para entrar en una carrera de vitalidad, de crecimiento, una expansión que acaba con alegría, con una victoria.

1 de diciembre, 20:00 horas

Depedro – Concierto para la familia

DEPEDRO es el proyecto musical de JAIRO ZAVALA, cantante y guitarrista con larga trayectoria como musico de sesion ,y forma parte como fundador de la banda de rock VACAZUL, con 5 discos editados, la banda de musica negra 3000 HOMBRES, con 4 discos editados y ahora plantea su proyecto mas personal en DEPEDRO.

La musica que hace DEPEDRO bebe de las fuentes de la musica de raiz latina, mestiza ,fronteriza, canalla , la cancion de autor, la rumba, el son, la musica africana ,el reggae, el blues , la salsa . … sus letras nos hablan directamente, hacen que reflexionemos sobre lo que pasa en el mundo, en nuestro interior y a nuestro alrededor, en sus interpretaciones hay sentimientos, emocion y mucha magia.

5, 6 y 7 de diciembre, 21:00 horas

Maridos y mujeres

Teatro de la Abadía

La trama comienza cuando Àlex y su mujer, Carlota, se enteran de que sus mejores amigos, Alicia y José Luis, aparentemente una pareja perfecta, han decidido separarse. No dan crédito a lo que oyen y les cuesta aceptar tal noticia. A partir de ese momento la pareja comenzará a cuestionar la solidez de su matrimonio.

Trasladar un guión cinematográfico a la escena no es tarea fácil, y en esta ocasión el Teatro de La Abadía ha convocado a Àlex Rigola para realizarla. Este director, que realizó parte de su importante trayectoria allí y que también fue director artístico del Teatre Lliure de Barcelona durante ocho años, es actualmente director de la sección de artes escénicas de la Bienal de Venecia. La temporada pasada nos presentó su Coriolano de Shakespeare y este año podremos ver cómo consigue pasar de la tragedia a la comedia con total desenvoltura.

Siempre ha acertado con sus puestas en escena y esta vez no será una excepción. Rigola ha ideado un sencillo pero ingenioso dispositivo de sofás que concentra las escenas del filme en una sala de estar, sin cambios de espacio o transiciones, invitando a los espectadores a sentarse a su lado. Y es que el sofá es el lugar más propicio a las conversaciones de pareja y el espacio por excelencia para exponer este tipo de historia sobre las relaciones humanas. Como dice el propio Rigola, “la mayoría de los cuentos terminan con que fueron felices y comieron perdices. Pero muy pocas historias te cuentan qué pasa cuando llevas más de diez años comiendo perdices.” Y esto es exactamente lo que nos propone esta extraordinaria comedia humana, en la que probablemente distingamos en algunos momentos nuestro propio reflejo.

13 y 14 de diciembre, 21:00 horas

Un trozo invisible de este mundo

Producciones Cristina Rota y Teatro Español

Escrita por Juan Diego Botto y dirigida por Sergio Peris- Mencheta, esta obra trata de dos temas que a veces se confunden: la inmigración y el exilio. A través de cinco monólogos nos hará sentir la soledad de unos personajes que tratan de buscar su lugar en el mundo. A pesar de abordar un tema grave y propenso al drama, al autor y protagonista de la obra no se le ha olvidado añadir a su texto unos toques de sarcasmo e ironía, ya que según sus propias palabras “la vida misma se endulza con el humor cuando no hay más remedio que seguir adelante.”

La pieza arranca en el sótano de un aeropuerto, entre maletas escupidas por una cinta mecánica, con un agente de aduanas, una suerte de cancerbero de las fronteras, que nos explica por qué, en su opinión, en este país ya somos demasiados. Juan Diego Botto se convierte luego en un inmigrante que llama desde un locutorio a su mujer para contarle cómo va todo en la distancia. La maravillosa cantante de soul y jazz, Astrid Jones, interpreta en el tercer monólogo a una mujer subsahariana que cuenta a su hijo cómo viajó a Europa y los obstáculos que encontró al llegar al “primer mundo”. Pasa de la palabra al canto con gran naturalidad y nos conmueve hasta el alma. Los dos últimos relatos nos hablan de la tortura en la Argentina de los 70, de los desaparecidos de la dictadura de Videla y de los que lo perdieron todo por el exilio político. Temas que forman parte del pasado del autor, que en España tiene la doble condición de exiliado e inmigrante, ya que su padre fue uno de esos 30.000 desaparecidos.

14 y 15 de diciembre, 20:00 horas

Salón Otto

Compañía Teresa Navarrete

En esta obra Teresa Navarrete ha incluido en su equipo a la diseñadora de espacios y fotógrafa María Meler y es de destacar la participación en Salón Otto del artista sonoro Montgomery, alguien que bebió del sonido Motown, que recibió notables influencias llegadas del Caribe Negro y que, de sus repetidas estancias en los locales más geniales de Nueva Orleans, se enriqueció con el descubrimiento del jazz para, posteriormente, conocer y hacer suyos los sonidos del afro-beat, el folclore irlandés… En definitiva, como dice Teresa: “cómo definir a Montgomery”. Entre todos ellos han dado forma a este Salón Otto, un espacio que, en sus palabras, “nos procura ese refugio humano de solidaridad, de abrigo y recogimiento frente a las realidades a priori más adversas. Un salón que recrea esos espacios de sosiego, liberadores de encuentros fugaces; ese punto concreto que sirve de hogar para el lenguaje, como único hogar humano”, como expresa John Berger en su obra Con la esperanza entre los dientes.

15 de diciembre, 12:00 horas

Prin Lá Lá

Un nuevo orden – concierto para la familia

Este es un viaje en el que Isa, Blanca y Macarena son raptadas por entidades de otro planeta. Desde la nave espacial donde se encuentran raptadas, en las periferias del planeta Gregorian III, van viendo todo lo que va aconteciendo en la Tierra y como un nuevo imperio, conocido como “el Amarillo” desbanca al imperio de la Alianza Ala Oeste-Atlántico en la pugan por el liderazgo mundial y la codicia del ser humano y el poder en general crean el caos mundial. Mientras, en las alturas y a salvo, ellas viven su particular odisea espacial en el planeta Gregorian III, siendo estudiadas por las entidades que un día las secuestraronen el “StardustSound Garden” y sintiendo sensaciones nunca experimentadas hasta el momento. Allí recuerdan canciones antiguas de otros tiempos como “naves que dan vueltas a un balón”, ven como Boris Vian y el mismo Leopoldo María Panero y su Desencanto son estudiados fuera de la Tierra y descubren como el amor y la esperanza siguen vivos a través de una carta que su abuelo escribe a su abuela y deja escondida en una casa de muñecas.

19, 20 y 21 de diciembre, 21:00 horas

26, 27 y 28 de diciembre, 18:00 horas

2, 3 y 4 de enero de 2014, 18:00 horas

Oliver Twist

Compañía La Tarasca

La Tarasca ofrece un espectáculo para todos los públicos basado en la novela de Charles Dickens en formato musical en el que los actores, bailarines y músicos, la interpretación y un cuidado lenguaje visual se conjugan para desgranar las aventuras del joven Oliver. El autor, Charles Dickens, pretendía influir con sus escritos en la sociedad victoriana en que vivía, en el Londres de la época y en una medida u otra lo consiguió, al exponer ante la opinión pública problemas que clamaban al cielo. Su propia experiencia -tuvo una infancia difícil por las estrecheces económicas de la familia-, se encargó de hacer al autor especialmente sensible ante situaciones de esta naturaleza. ¿Quién es Oliver Twist? Oliver es un niño, personaje confiado, simpático y listo, que decide escapar de su tierra natal, en donde se siente desgraciado, con la esperanza de una vida más próspera, que hasta el final de la historia, no llegará a vivir. No hay duda. La historia de Oliver está vigente.

11 de enero, 21:00 horas

Rime of the ancient mariner

The Tiger Lillies y Mark Holthusen

El grupo musical británico The Tiger Lillies y Mark Holthusen, el fotógrafo checo afincado en San Francisco, nos ofrecen una experiencia visual única, entre película barroca y concierto. Tenía que suceder, tenía que llegar el día en que el teatro fotográfico de Holthusen y la música teatral de los Tiger se encontrasen para jugar con nuestra percepción auditiva y visual, juego que consiguen con creces con esta Balada. Descritos como un cabaret brechtiano con humor muy negro, como una fusión punk entre el género burlesco de los años 30 y el music-hall inglés, o como el eslabón perdido entre Tom Waits y los Monty Python, los Tiger Lillies son inclasificables. El grupo británico se desenvuelve en un universo singular en el que el macabro burlón alterna con el sórdido, en el que el humor negro coquetea con la figura más triste de la existencia. Sus canciones cuentan historias de los bajos fondos en las que la violencia flirtea con la prostitución y las blasfemias de todo tipo, con los magníficos fracasados y los monstruos más extraños.

17 y 18 de enero, 21:00 horas

Tempestad

Compañía Barco Pirata

Adaptación de la obra La tempestad de William Shakespeare. La tempestad de Shakespeare es difícil de identificar en un género concreto: mezcla de tragedia, comedia y romance, contiene un poco de cada una de las obras del gran dramaturgo inglés. Se trata de un espléndido tratado sobre los recovecos de la búsqueda del poder, en el que todos los personajes, de manera más o menos evidente, se relacionan con él. Cada uno de ellos intentará apoderarse de lo que más desea: la isla desierta en la que han naufragado, la corona perdida, el reino de Nápoles. Amor, poder, esclavitud y perdón, son los ingredientes básicos de esta historia que transcurre en un escenario poblado de duendes, hadas y actores de gran talento. Después de un Incrementum lleno de mujeres, Sergio Peris- Mencheta nos trae una Tempestad llena de hombres, a la moda del teatro isabelino… 7 actores-músicos dan vida a más de 20 personajes de la obra de Shakespeare, en una adaptación juguetona, llena de música y humor. Éste es un espectáculo para los sentidos, en que el público desde su entrada se siente parte de la isla, pisa su tierra, siente la brisa marina en el rostro, saborea sus exóticas bayas y se envuelve de la música que surge de las entrañas de la tierra. En este montaje moderno y original, en el que vemos el proceso teatral en escena, las premisas son la imaginación y el juego.  

18 y 19 de enero, 20:00 horas

Reconstrucción

El Punto! Danza teatro/Fernando Lima

Llega al Central el coreógrafo y bailarín brasileño afincado en Sevilla, para instalar sobre el escenario su atractivo universo plástico, sonoro y, sobre todo, físico. Señas de identidad de su personalísima trayectoria. Fernando Lima crea El Punto! Danza Teatro en Sevilla en 1997 y desde entonces hasta ahora ha dado continuidad al trabajo que, como coreógrafo, actor y gestor cultural viene desarrollando en España desde 1992. Su trabajo hace gala de un lenguaje personal que nace de la necesidad de mezclar distintas disciplinas artísticas o como él dice “de crear partituras coreográficas con nuestra propia cotidianidad como telón de fondo para las discusiones y reflexiones que planteamos, pues lo que sugerimos no es más que la confrontación con una parte de nosotros mismos.” Reconstrucción nos sitúa ante un viaje sensorial que podemos disfrutar desde el ángulo que nos parezca: bien acompañando y completando el mapa con nuestro propio bagaje, bien asistiendo al espectáculo como meros espectadores. De cualquier manera, siempre tendremos ante nosotros la precisión y la fluidez de unos cuerpos que juegan con los límites, ajenos casi siempre a su propia y humana belleza.

 

24 y 25 de enero, 21:00 horas

4D

Espectáculo para 7 bailarines y 6 músicos – Eastman/Sidi Larbi Cherkaoui

Desde que comenzara a bailar a los 16 años, Sidi Larbi ha recorrido un largo trayecto, primero como intérprete, ya fuese en solitario, dirigido por Wim Vandekeybus, o bajo el paraguas protector de Les Ballets C de la B, ya convertido en coreógrafo. En 2010 nuestro creador crea Eastman, estructura que se ocupa de la producción y difusión de sus piezas. Creaciones que, como sabemos, ofrecen al público una gran diversidad de proyectos y colaboraciones, tanto de danza contemporánea, teatro, ballet, ópera y musicales, como otras formas de espectáculo y performances. En efecto, el enfoque artístico de Eastman se basa en una idea no jerarquizada del movimiento, el lenguaje corporal y la cultura. En 4D Cherkaoui ha retomado cuatro dúos de sus espectáculos previos (Origine, 2008; Dansandfestival, 2010; Babel, 2010, creado con Damien Jalet y Faun con la música de Debussy). Los ha revisado y son representados con un equipo mixto de músicos en el escenario: música japonesa y árabe, música contemporánea, la voz de Patrizia Bovi. Los dúos difieren entre sí pero esta fórmula siempre nos seduce porque expresa la vida,la alteridad, la búsqueda del otro, la pareja imposible y tan deseada.

25 y 26 de enero, 20:00 horas

El encuentro

Avanti Teatro – ESTRENO ABSOLUTO

Julio Fraga y sus complíces de Avanti nos hablan de la historia de dos grandes líderes políticos. Dos catedráticos de una universidad llamada democracia. En 2005 con Después de Ricardo -versión libre del Ricardo III de Shakespeare- ve la luz la compañía Avanti Teatro de la mano del actor Eduardo Velasco. Desde entonces hasta este “encuentro” no han dejado de ser fieles a un compromiso que está en la base de su formación como grupo estable, un compromiso que les lleva a entender el teatro como un laboratorio donde partiendo de una idea, y tras un proceso de investigación y documentación, consiguen la información necesaria para que el sueño de la creación escénica se haga realidad. El encuentro (Sábado Santo Rojo), supone una continuidad con la línea de trabajo que mantienen desde sus comienzos y repiten con parte de aquel equipo de trabajo. Como ellos dicen, “con esta nueva apuesta pretendemos producir un espectáculo teatral que responda, de manera directa, a nuestra realidad sociopolítica. Para ello partiremos de la reunión que en febrero de 1977 mantuvieron Adolfo Suárez y Santiago Carrillo, en la que acordaron la legalización del Partido Comunista y las líneas maestras sobre las que se asentaría el gran pacto para la transición y se redactaría la actual Constitución Española. Con El encuentro buscamos ofrecer una mirada crítica de nuestro pasado que nos aliente en el compromiso por un futuro mejor, aprendiendo tanto de los aciertos como de los errores entonces cometidos.”

31 de enero y 1 de febrero, 21:00 horas

Misántropo

Kamikaze producciones – Basado libremente en el original de MOLIÈRE

Miguel del Arco, junto al equipo de las mujeres multipremiadas La función por hacer y veraneantes regresa a los escenarios de la mano de Molière. No cabe duda que en los tiempos que corren hay que ser un auténtico kamikaze para decidir constituirse en compañía estable. Sin embargo, esto es lo que ha decidido aquel núcleo de amigos que, de forma imprecisa, se reunieron hace casi cuatro años para, sin proponérselo, acabar convirtiéndose en “objeto de deseo” de todos los escenarios españoles. En efecto, tras La función por hacer y Veraneantes, Miguel del Arco y “sus chicos” han optado por la estabilidad en tiempos inestables. A la tercera va la vencida y el Teatro Central se ha convertido en su casa del sur. Un privilegio. Acostumbrados, como estamos, a que Miguel del Arco acerque hasta nuestra realidad más próxima textos de nuestros clásicos contemporáneos, es lícito que nos preguntemos sobre sus intenciones escénicas a la hora de abordar uno de los icónicos textos de Molière.

Pues bien, Miguel nos responde preguntándonos: “¿Qué es la verdad?… ¿Es posible que el ser humano conozca la verdad o al menos que la reconozca cuando hay entre nosotros tal disparidad de criterio y de visiones de la realidad? El sentido común debería ser la herramienta perfecta para definir el contorno de lo razonable pero como dijo Descartes, “el buen sentido es la cosa mejor repartida del mundo pues cada cual piensa estar tan bien provisto de él, que aún los más difíciles de contentar en cualquier otro asunto no desean generalmente más del que tienen…” Este es el punto de partida del trabajo que nuestro director hace en Misántropo.

7 y 8 de febrero, 21:00 horas

Albert Plá

Albert Plá nos vuelve a ofrecer un espectáculo entre teatro y música con este provocador monólogo antisistema, reflejo de una sociedad delirante.

A él le hubiese gustado matar a un par de policías o de banqueros o de empresarios sin escrúpulos, pero al final, como todo el mundo, decide unirse a una manifestación contra el sistema. La manifestación antisistema colisiona con otra manifestación anti aborto y, para escapar de una carga policial, se refugia en una protesta independentista. Hay tantas manifestaciones colapsando la ciudad que es imposible escapar de la protesta. Albert Pla nos cuenta la historia de un hombre atrapado en una manifestación eterna, sobre un escenario presidido por un contundente lema: “Tu vida es una puta mierda y tú lo sabes lo sabes”. Asume totalmente su papel de agitador social, musical y escénico, y subraya la pérdida de valores que está sufriendo nuestra sociedad. En un contexto de crisis marcado por una gran insatisfacción ciudadana y en el que las protestas se han ido multiplicando, nos da a entender que, según él, “las manifestaciones pacíficas no funcionan.”

8 y 9 de febrero, 20:00 horas

Los Iluminados

Teatro Español

En 2008, Derek Ahonen, uno de los jóvenes dramaturgos americanos más prometedores y con éxito de crítica y úblico, escribió esta obra en la que ya profetizaba la decadencia del sistema en el que vivimos. Los Iluminados, cuyo título original es The Pied Pipers Of The Lower East Side, ha sido su mayor éxito y es el primer texto suyo que se monta en castellano. Traducido por el propio director Julián Fuentes Reta y uno de sus principales actores e instigador de El Proyecto Laramie, Jorge Muriel, que vuelve a sorprendernos en esta obra, este texto conserva toda su fuerza y nos convence por su increíble actualidad.

Esta comedia salvaje, protagonizada por cuatro jóvenes anti-sistema, que viven encima de su restaurante vegano, nos narra su lucha por mantener en pie la utopía que han creado. Velarde, Amor, Amanecer y David forman una particular familia unida por unos grandes ideales de comunidad en la que todo se comparte, incluido el sexo. La llegada de Juan, el joven hermano de David, a este pequeño mundo cerrado, los pondrá frente a sus contradicciones internas. De esta manera, nos iremos dando cuenta de que las semillas de ese sistema capitalista que pretenden destruir están firmemente plantadas en ellos mismos.

Los iluminados se aproxima a los conflictos en los que todos vivimos inmersos con una salvaje carcajada a costa de nosotros mismos, atreviéndose a hacer una sátira social del momento presente, sin glamour y sin planfletarismo. Entre botellas vacías y viejos sofás, brota la vida como un torbellino interpretativo, y surgen el riesgo y la emoción. Una obra dinámica, caótica y delirante que no deja a nadie indiferente.

14 y 15 de febrero, 21:00 horas

Las palabras. Una historia de amor

La Zona

Con Alicia Calot y Javivi Gil Valle. Actúa, dirige, versiona, imparte cursos… Pablo Messiez, esta rara avis del teatro argentino ama el teatro, ama a los actores, a los espectadores y, sobre todo, la palabra como solo sus compatriotas saben hacerlo. Por suerte Pablo Messiez ha decidido quedarse en nuestro país y está colaborando a devolvernos el gusto por el texto teatral. De su cuidado exquisito a la hora de escribir y dirigir, nos habla claramente su trayectoria, un viaje que comenzó a los doce años cuando empezó a estudiar interpretación con maestros del calibre de Ricardo Bartís, Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher, con quien además estudió dirección. Así mismo, su participación desde 2005 a 2008, como actor, en las puestas en escena de Daniel Veronese le sirvió de aprendizaje para acompañar a los actores de sus espectáculos con un respeto inusual. Su trabajo ya ha sido reconocido por el Teatre Lliure o el Centro Dramático Nacional y la crítica de nuestro país ha elogiado sus trabajos de dirección, destacando las críticas recibidas por su montaje Los ojos. Rosana Torres en El País llegó a decir “Pablo Messiez se está convirtiendo en un fenómeno del teatro español.»

Tras estrenar con gran éxito Muda, Ahora, Los ojos, Las criadas y Las plantas, el argentino vuelve a los escenarios con su última creación: Las palabras. Una historia de amor. Messiez nos introduce así en su nuevo espectáculo: “Cambiar de país es también cambiar de lenguaje (aunque se hable el mismo idioma). Cada cultura tiene su manera de vincularse con las palabras. Cada comunidad nombra a su modo. Sin embargo, hay un tipo de relación con las palabras que encontraba en mi país y encuentro en éste. Un modo de habla que llamaría el lenguaje irresponsable… Estamos rodeados de ejemplos de lenguaje irresponsable. Desde una madre diciéndole a su niño: ¡Pero tú eres tonto!, hasta nuestro presidente, que es tan dado a decir cualquier cosa y quedarse tan ancho… Como si las palabras no tuvieran consecuencias. Por suerte, más tarde o más temprano, las tienen. En el mundo de la obra la tienen de manera radical y trágica.”

15 y 16 de febrero, 20:00 horas

Gudirr gudirr

Marrugeku/Dalisa Pigram /Koen Augustijnen

Concepto, bailarina y co-coreógrafa: Dalisa Pigram. Director y co-coreógrafo: Koen Augustijnen.

Espectáculo para una intérprete. Estreno en España en complicidad con el Teatro Central de Sevilla En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica. El feliz encuentro de la compañía australiana marrugeku y el coreógrafo belga koen augustijnen da como resultado un gran solo dancístico de la bailarina de ascendencia aborigen-malayo-filipina: Dalisa Pigram. Un espectáculo que nos advierte sobre la fragilidad de la cultura y nos hace recordar que la supervivencia es una negociación permanente.

La pieza, aunque sea un solo, es un gran espectáculo en el que Pigram, acompañada por un vídeo proyectado en una pared de chapa ondulada y una larga red de pesca colgada del techo, consigue llenar el espacio con su intensa presencia durante 60 minutos. gudirr gudirr (estas palabras suenan como una advertencia) es un comentario sobre la vida en una Australia multirracial, contada a través de la experiencia de una bailarina que tiene un padre malayo y una madre indígena y que vive y trabaja en el noroeste del país. De vez en cuando, el vídeo nos muestra la zona en la que se sitúa la acción con imágenes a la vez tranquilizadoras e inquietantes del lugar y de su gente.

21 y 22 de febrero, 21:00 horas

Natta

Teatro del Velador – Estreno absoluto

Único, inconfundible, reconocido y reconocible… así es el lenguaje escénico que, a lo largo de 21 años, ha elaborado “El Chino” junto a una auténtica banda de cómplices que se conjuran tras la etiqueta de “teatro bruto” para definir una manera de decir, de poner en escena “un teatro-otro” como medio para sacar a flote nuestros sueños y fantasmas más profundos. Estos outsiders del teatro andaluz no cejan en su empeño de exhibir todo aquello que nos avergüenza a través de una sintaxis universal no escrita, basada en el ritmo, el movimiento y la gestualidad y a ello vuelven a aplicarse en su nueva propuesta.

Natta parte de un interrogante y la respuesta que al mismo da el dramaturgo “¿Qué es lo que me fascinaba, pues, del maravilloso mundo del circo? Pudiera haber sido tal vez la abigarrada mezcla de riesgo y diversión, pulsión de vida y pulsión de muerte, que conlleva el espectáculo del riesgo y de lo desconocido, de luces y oscuridad, cuando sólo puede presentirse el peligro facturado para ser vendido bajo una carpa de lona… pero creo que no, ahora sé que no podría explicar aquella fascinación sin recurrir a lo que nunca puede faltar en un circo (así lo pregonaban en el Price): los payasos impregnan esos recuerdos, personifican la alegría infantil, un sentido de lo cómico, del humor y de la risa que, en definitiva, cautiva la memoria. Los primeros recuerdos que me acompañan.

7 y 8 de marzo, 20:00 horas

Emilia

Producciones teatrales contemporáneas

Con Malena Alterio y Alfonso Lara, entre otros. Claudio Tolcachir, figura indiscutible de la escena bonaerense, llega para presentarnos su última obra. Una historia de niños hombres que necesitan niñera. Tolcachir es una de las figuras del teatro independiente de su país con reconocimiento internacional. Hace más de una década, en los momentos más duros de la crisis argentina, fundó en su casa, en el barrio de Boedo, en Buenos Aires, un espacio para el teatro, con escuela y sala para las representaciones, lugar donde apenas cabían unas decenas de personas. Un espacio escénico al que para acceder había que llamar al timbre número cuatro y así bautizó a la compañía con que ahora monta sus obras en festivales y coliseos de medio mundo.

Desde entonces hasta aquí Tolcachir ha logrado todo tipo de reconocimientos y premios con su trilogía formada por La omisión de la familia Colemann, Tercer Cuerpo y El viento en un violín. Todas ellas presentadas en los teatros y festivales con más prestigio del circuito internacional. Claudio Tolcachir, actor, director y profesor, escribió con 28 años La omisión de la familia Colemann. La montó en el salón de su casa, sin un duro, y en este tiempo se ha convertido en uno de los autores de los que más se habla en una ciudad (Buenos Aires) en la que hablar sobre teatro es como mentar el sancta sanctorum de los hábitos culturales de los argentinos. Un lugar en el que la gente no deja de ir al teatro ni en los momentos terribles ni cuando la economía lo desaconseja. Con un elenco hispano-argentino pero con todos sus integrantes residiendo en España, llega por fin al Central este audaz creador para ofrecernos su última obra.

7 y 8 de marzo, 21:00 horas

What the body does not remember

Wim Vandekeybus/Última vez/Ictus Ensemble

Director, coreógrafo y creador: Wim Vandekeybus. Espectáculo para 8 bailarines. En colaboración con la Representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica. Producida originalmente en 1987, este What the body does not remember, la primera coreografía de Vandekeybus, sigue siendo igual de fuerte, brutal, irónica y espectacular que en su inicio.

Será una ocasión única para certificar lo que decía el Haarlem Dagblad tras su estreno en el 87: “El espectáculo es impactante, y eso se debe mucho a los bailarines, pero también a la partitura de Thierry De Mey y Peter Vermeersch, tan teatral y entretenida que te puede llegar a tirar de tu asiento.” O como decía Anna Kisselgoff, la influyente y prestigiosa crítica del New York Times: “…Fuerte, brutal, lúdico, irónico y espectacular. Faltan adjetivos para describir What the Body Does Not Remember, un espectáculo de danza increíblemente innovador.”

 

14 y 15 de marzo, 21:00 horas

Sun

Hofesh Schechter Company

Coreografía para 14 bailarines. Estreno en España. Durante dos días el torbellino dancístico y musical del bailarín, compositor y coreógrafo israelí afincado en gran bretaña tomará el escenario del teatro central. Un breve recorrido por los festivales y teatros (Brighton Dome & Brighton Festival, Sadler’s Wells London, Melbourne Festival, Les Théâtres de la Ville de Luxemburgo, Théâtre de la Ville de París, Festspielhaus St. Pölten, Berliner Festspiele- Foreign Affairs y el apoyo de coproducción del Mercat de les Flors y el Theatre Royal Plymouth) que han apostado por invertir sus fondos en esta producción nos da la medida justa del prestigio que rodea al creador que tiene al Central como uno de sus teatros preferidos para presentar sus piezas en España. Sevilla ya ha podido disfrutar de sus dos espectáculos precedentes, Uprising / In your rooms (2009) y Political Mother (2010) y, en ambas ocasiones, asistió atónita al despliegue físico de sus bailarines así como a su excelente partitura musical.

Vuelve Hofesh a nuestro escenario con Sun y de nuevo asistiremos al resurgir de un baile claro y luminoso desde la oscuridad del mundo emotivo y a menudo enfurecido de Shechter, de la niebla y el caos. Con una compañía ampliada, compuesta por 14 bailarines de clase mundial, y una banda sonora con música original compuesta por Shechter, esta pieza aparece tras el éxito fenomenal de Political Mother, coreografía que pudimos disfrutar en Sevilla en noviembre de 2010. Hofesh Shechter, uno de los artistas contemporáneos más fascinantes de Reino Unido, ha conquistado el reconocimiento internacional por su coreografía honesta y brutal y por sus partituras atmosféricas.

 

21 y 22 de marzo, 20:00 horas

Hora de cierre

Excéntrica Producciones/Isabel Vázquez

Estreno absoluto. La bailarina y coreógrafa Isabel Vázquez danza “sin edad” para celebrar su madurez. Años de hiperactividad contemplan a la creadora e intérprete sevillana Isabel Vázquez. Una licenciada en Historia del Arte que se decantó desde muy joven por el estudio de la danza, pasando posteriormente a convertirse en una de las destacadas agitadoras del paisaje del movimiento corporal contemporáneo en Andalucía. Co-fundadora del Centro de Artes Escénicas colabora con múltiples compañías y coreógrafos/as, destacando sus interpretaciones para los madrileños 10 & 10 o los catalanes de Lanónima Imperial, así como para producciones de Emio Greco, Ramón Oller o Nigel Charnock.

Su extensa labor como coreógrafa de espectáculos producidos en Andalucía, es así mismo reconocida por crítica y público, sobre todo en la pieza Yo cocino y él friega los platos o enRestaurant tu three. Ahora, en esta nueva creación,quizá la más personal y sincera de su trayectoria, Isabel hace un ejercicio de introspección para que seamos nosotros los que neguemos algo que ella misma afirma desde la atalaya de su experiencia y, sobre todo, de sus algo más de 40 años: “como bailarina ya no existo más que para mi misma.” La bailarina y coreógrafa reflexiona y se pregunta “¿cómo transitar hacia la posdanza, cómo prevenir la ineludible transición o cómo permitir una reconversión, cómo pensar en el largo plazo a la vez que intentar detener el tiempo?…” Para concluir: “Este Solo me gustaría que fuera un decir de mi pérdida, una reconciliación con lo que soy ahora y una celebración de la madurez. El placer de bailar más allá del virtuosismo de un cuerpo entrenado para la danza.” Una hermosa apuesta.

 

21 y 22 de marzo, 21:00 horas

Recortes

Alberto San Juan y Nuria Gallardo

Versión de Juan Cavestany de los textos Frágil de David Greig yReflectante de Clara Brennan. Dos piezas independientes y a la vez comunicadas lanzan una “brutal” mirada a la situación actual. un espectáculo de “situaciones extremas y, sin embargo, cotidianas”.

Todo el equipo que ha hecho posible la producción de este espectáculo,nos consta, no solo se compone de grandes profesionales de la escena española sino que además estamos hablando de grandes personas con un compromiso cívico sobresaliente; de lo contrario no habrían hecho frente al montaje de estos dos comprometidos textos. En los tiempos que corren hace falta mucho valor para poner en escena un espectáculo sin ayuda alguna, solo con el convencimiento de que el “teatro urgente” es necesario porque no podemos renunciar a “hablar de lo que importa. Reflectante, de Clara Brennan y Frágil, de David Greig, son dos piezas que surgieron como parte del movimiento Theatre Uncut en Gran Bretaña para responder a los recortes públicos que realizó el gobierno de aquel país en 2010 y Juan Cavestany ha hecho una versión impecable de estos textos desgarrados y, sin embargo, optimistas. El paralelismo de Reflectante y Frágil con nuestra realidad nos estremece.

Pero ¿quiénes son los protagonistas de esta función? Enfermos físicos, enfermos mentales, enfermos con movilidad reducida son algunos de los elegidos, los recortados de esta crisis que no tiene nada de igualitaria y mucho menos de indiscriminada. Por el contrario, la crisis actúa como perfecta coartada de la violencia metódica, racional y organizada que se ejerce sobre estos colectivos. Si les ponemos rostro a estas víctimas nos encontramos con personas como Rosario y Jose, los protagonistas de Recortes.

28 y 29 de marzo, 21:00 horas

Plexus

Compegnie 111 / Aurélien Bory

Pieza de Aurélien Bory para Kaori Ito. De la mano de aquel prestidigitador que hizo bailar a un robot en el escenario del central llega ahora plexus. un sublime e impactante espectáculo que marcará la historia de la creación visual.

¿Bailarín?, ¿malabarista?,¿acróbata?, ¿músico?, Aurélien Bory lo es todo a la vez. Prestidigitador de los géneros, ha creado una vía singular, un camino aparte. Lo ha llamado “teatro físico” y ha creado unas diez obras en esta disciplina extraña, todas muy distintas, Algunas de ellas hemos tenido el privilegio de disfrutarlas en Sevilla: Plus ou moins l’infini, Sans Objet y Erection, protagonizadas por Pierre Rigal, nos han ido rindiendo cada vez más al talento de este creador inclasificable que rompe los límites entre los géneros. Llega ahora para ofrecernos su último artilugio escénico realizado para la bailarina japonesa Kaori Ito, intérprete que lleva diez años afincada en Francia y que ha colaborado con muchos de los grandes coreógrafos del continente (nosotros tuvimos la ocasión de verla con Alain Platel en su espectáculo Out of context).

Plexus es una producción que crea alucinaciones que nos hacen olvidar la increíble técnica. Tan fluida, tan invisible, tan secundaria frente a los sentimientos. Siendo una forma nueva sin necesidad de referencias, Plexus marcará la historia de la creación visual. Y sobre todo Plexus, orgánico y visceral, se quedará grabado en la memoria del espectado.

 

29 y 30 de marzo, 20:00 horas

El policía delas ratas

Teatre Lliure/Heartbreak Hotel

De la novela El gaucho insufrible, de Roberto Bolaño. Todos los derechos reservados tras la celebrada adaptación de 2666, nos llega este relato que se ha gestado en la Schaubühne de Berlín y ha visto la luz en la bienal de Venecia. Una fructífera y profunda relación la de Rigola y la obra de Roberto Bolaño.

Àlex Rigola y sus dos actores fetiches –Andreu Benito y Joan Carreras– vuelven a embarcarse en esa nave de radicalidad literaria que es la palabra de Bolaño para volver a recordarnos cuánta falta nos hace en estos tiempos de frases “best sellers”. Este cuento de Roberto Bolaño es, como muchas historias fantásticas, el mapa de una geografía, no el retrato de individuos, de roedores con nombre y apellido, comadrejas con cédula de identidad, sino un poco más: el retrato de un mundo vasto, de una sociedad que conviven en un mundo adulterado, donde las líneas de la libertad son de un diáfano cristal blanco. El policía de las ratas es un thriller, una historia detectivesca sobre la diferencia y el arte. Un cuento que rinde homenaje, pone en cuestión y finalmente supera en tensión dramática a ese relato corto de Kafka Josefina la Cantora o el pueblo de los ratones.

 

4 y 5 de abril, 21:00 horas

Tragédie

Compagnie Oliver Dubois – ESTRENO EN ESPAÑA

Poema coreográfico para 18 bailarines. El seismo dancístico que conmocionó la edición 2012 del festival de Avignon, la feroz y perturbadora coreografía de Oliver Dubois que está dejando sin aliento a los espectadores de medio mundo, llega a Sevilla. Mucho ha llovido desde que en 1999 Olivier Dubois creara su primer solo. En efecto, desde entonces hasta aquí, no se puede decir precisamente que nuestro creador haya perdido el tiempo. Prestigiosos coreógrafos y compañías como Sasha Waltz, Jan Fabre o Angelin Preljocaj se lo han disputado como intérprete; los Ballets de Montecarlo le encargan una pieza, imparte clases y talleres en afamados centros como la Ópera Nacional de Viena, la Escuela Nacional de Atenas, la Ópera Nacional de El Cairo o la Escuela de Bellas Artes de Mónaco y firma coreografías para óperas como la de Lille, Nantes o Limoges. Hasta llegar en 2011 a ser incluido entre los mejores bailarines del mundo por la revista Dance Europe. Con sus 18 bailarines desnudos, Tragédie es una fenomenal descarga telúrica. Un potente subidón casi orgásmico, a medio camino entre la danza tribal y el trance. Un espectáculo vertiginoso, hipnótico y galvanizante. A lo largo de la pieza, Dubois experimenta con una humanidad cegadora, deslumbradora, ensordecedora… Deja de distinguir los cuerpos para que surjan de esas masas en movimiento impulsos arcaicos. Con Tragédie, Olivier Dubois nos sumerge en una “sensación del mundo”, más que en una obra coreográfica.

25 y 26 de abril, 21:00 horas

Henri Michaux: Mouvements, Gymnopédies

Compagnie Marie Chouinard – ESTRENO EN ESPAÑA

Piezas para 11 bailarines. A estas alturas, tras su dilatada y multipremiada trayectoria, Marie Chouinard goza de un reconocimiento internacional que pocos artistas alcanzan. Sus comienzos datan de 1978, año en que presenta su primera creación, Cristalización, que pronto le valió un amplio reconocimiento como una artista singular. A este espectáculo le siguieron treinta solos hasta que, en 1990, esta solista y coreógrafa funda su propia compañía. Desde entonces, la Compagnie Marie Chouinard ha presentado más de mil espectáculos en los grandes escenarios internacionales; en los festivales más prestigiosos y en los teatros más conocidos. El programa que nos presenta está compuesto por dos piezas. La primera Henri Michaux: Mouvements está inspirada en el libro Mouvements del poeta y pintor belga ya citado. El libro nos muestra figuras multiformes, dibujos realizados en tinta china que Marie Chouinard leyó como si se tratara de una partitura coreográfica. Después decidió descifrar los dibujos de este artista inmenso y hacer bailar estos “movimientos de chorros múltiples, fiesta de manchas, gama de brazos.” En Gymnopédies los bailarines se aplican a bailar la música de Eric Satie construyendo dúos bellísimos, amorosos, a veces eróticos a lo largo de toda la pieza aunque finalmente la coreografía consigue sumergirnos en el milagro máximo de la pura danza. The Chronicle Herald (Canadá) se refería al espectáculo de la siguiente forma: “… ha sido fascinante, divertido y absolutamente seductor”.

3 demayo, 21:00 horas, y 4 de mayo, 20:00 horas

El invernadero de Harold Pinter

Teatro de la Abadía

Las actuaciones y las puestas en escena de Mario Gas siempre son esperadas con gran expectación. Pues bien, «el maestro» vuelve al escenario del Central para presentarnos el invernadero, obra de Harold Pinter nunca antes estrenada en España. Vuelve ahora a dirigir para presentarnos El invernadero, el primer Pinter de su larga trayectoria. Inquietante y mordaz, El invernadero es una de las obras más logradas del Premio Nobel británico, según el crítico Michael Billington. “Una fantasía que con el tiempo se ha convertido en realidad”, en palabras del propio autor, que escribió esta obra en los años 50 pero la guardó para estrenarla en un momento más oportuno. Pinter nos presenta una sátira del funcionamiento burocrático y el gobierno autoritario de un sanatorio cuya naturaleza exacta no se desvela. No está sometido a ningún control y al parecer cualquier tratamiento a los alojados está permitido. En plena celebración navideña, el director y su equipo se enfrentan con un nacimiento y una muerte que han tenido lugar en el interior de la institución. ¿Quiénes serán los responsables? ¿Y cómo hay que actuar ante semejantes sucesos, tan inesperados como comprometedores?

16 y 17 de mayo, 21:00 horas

Sleepless – Petite Mort – Casi-Casa

Compañía Nacional de Danza – Director artístico: José Carlos Martínez

Sleepless – Pieza para 6 bailarines / Petite Mort – Pieza para 12 bailarines / Casi-Casa – Pieza para 11 bailarines.

Estreno europeo. Un acontecimiento llega al central de la mano de la compañía nacional de danza el estreno europeo de casi-casa una coreografía del maestro sueco Mats Ek. Una coreografía que baila la cotidianeidad más cercana. Es la primera vez que la CND se presenta en el Central. Era una cita pendiente que ahora cumplimos y lo hacemos de una forma privilegiada, ya que José Carlos Martínez -su actual director- ha elegido nuestro escenario para realizar los últimos ensayos y estrenar una pieza de una figura fundamental para la danza de hoy a nivel mundial como es Mats Ek, conocido sobre todo por el trabajo realizado durante todo el tiempo que estuvo al frente del prestigioso Cullberg Ballet, aunque de su magisterio se hayan beneficiado infinidad de compañías internacionales tales como el Ballet de Hamburgo, la Nederlands Dans Theater, el Ballet de la Ópera de París o Les Grands Ballets Canadiens. El estreno original de Casi-Casa lo realizó la compañía Danza Contemporánea de Cuba el 4 de diciembre de 2009, en la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana, Cuba y posteriormente fue bailado por la Hubbard Street Dance de Chicago. El Teatro Central y la CND serán los encargados de estrenar en Europa esta pieza. Ek dice lo siguiente al hablar de esta producción: “Veo muchas películas y obras de teatro. También veo muchas obras de arte. Pero lo que es más importante para mí es leer el periódico, observar a mis niños,observar a los animales moverse en el parque, observar el tráfico –cosas que no están hechas para ser miradas–. La puesta en escena social, como tal, es muy rica.”  La velada la completará la presentación de dos piezas de Jirí Kylián, otro de los maestros de la danza contemporánea europea e internacional. Se trata de Sleepless, coreografía estrenada por la Nederlands Dans Theater (NDT II) en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 2004, y Petite Mort estrenada por la misma compañía en el Festival de Salzburgo, el 23 de agosto de 1991.